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1960년대 이래 꾸준히 부상해온 ‘디자인미술’ 현상. 1990년대 말, 미술 평론가 알렉스 콜스는 지금까지 자신을 매혹시킨 미술들이 디자인으로부터 여러 요소와 전략들을 끌어와 활용하고 있다는 사실을 깨닫고 1960년대 이래 꾸준히 부상해온 ‘디자인미술’ 현상을 다룬 <디자인아트>(2005)를 출간한다. 이 책에서 콜스는 앙리 마티스부터 도널드 저드, 호르헤 파르도에 이르는 미술가들이 문양과 가구, 인테리어, 건축을 다루는 방식을 폭넓게 검토했다. 하지만 책이 나온 직후 디자인 비평가인 릭 포이너로부터 다음과 같은 비판을 들어야 했다.

“콜스가 취한 방식은, 미술가에게는 어떤 혜택이 주어질지는 모르지만 둘의(디자인과 미술) 관계에 있어 미술이 우위를 확고하게 해주는 식으로 끝날 수밖에 없다. 미술가들은 미술을 확장하고 새롭게 하기 위해 디자인을 향한 여행이 허락된다. 그러나 아무도 반대 방향으로 여행하는 이가 없는 이 여정은 일방통행처럼 보인다.”

지금부터 소개할 책 <디자인과 미술: 1945년 이후의 관계와 실천>은 이러한 비판의 정당성을 깨닫고 미술과 디자인을 비평적으로 다룬 문헌들을 조사하는 과정에서 나온 결과물들을 모아놓은 에세이이다. 이 책의 목적은 갈수록 혼성적 움직임을 보이는 동시대 미술과 디자인 실천에 대한 이해를 돕는 것이다. 1945년 이후를 출발점으로 삼아 팝아트와 미니멀리즘 이래로 부상한 ‘디자인미술’ 현상은 물론 2000년 이후 예술과 상업적 역할 사이의 경계를 무너트린 일들까지, 더 현대적인 논의들을 한곳에 모았다.

총 3개의 장으로 나눠진 이 책 <디자인과 미술: 1945년 이후의 관계와 실천>은 디자인과 미술의 본질에 대한 고찰과 둘이 관계가 어떻게 변해왔는지를 포착하고, 활발하게 번성하여 관계를 이루는 융합과 작동 방식으로 미술과 디자인 사이의 접점을 다루고 있다. 여기에 실린 다양한 논의들은 공통적으로 디자인과 미술이 얼마나 밀접한 관련을 맺고 서로에게 영향을 주었는지 역사적, 장르적으로 밝히는 한편, 자본주의 사회에서 디자인이 미술뿐 아니라 삶의 거의 모든 부분을 포섭해왔음을 확인시켜 주기도 한다.

“‘디자인’이라는 말이 일상의 담론에서 어떻게든 핵심적인 자리를 유지하게 된 것은 우리가 가치의 원천으로서 예술가 기술에 대한 믿음을 잃기 시작했기 때문이다. 우리가 그들 뒤에 있는 디자인에 눈뜨기 시작했기 때문이다.” -빌렘 플루서 78p

“동시대 디자인은 예술과 분과의 경계를 다시 허물고, 관습에 대한 도전을 관례화한 포스트모더니즘에 대한 자본주의의 위대한 복수의 일환이다. 자율성, 혹은 준 자율성조차 어쩌면 환영이거나, 기껏해야 허구일지 모른다.” -할 포스터 103p

<디자인과 미술, 1945년 이후의 관계와 실천>은 관계의 역동성을 보여줌으로써 해답이 아닌 질문을 던지는 책이다. 이 책에 실린 각 글들은 유기적으로 연결되며 다양한 맥락을 생성해낸다. 독자에게 적극적이고 능동적인 독서를 요구하는 이러한 방식은 이론가 및 역사가들의 글을 실천가들의 인터뷰와 나란히 배치하는 편집 방식을 택한 엮은이의 의도이며, 또한 이 책을 갈수록 심화되어가는 우리시대의 혼성적 움직임에 대한 좋은 길잡이로 만들어주는 요소이기도 하다.

“우리는 그래픽 디자인을 미술로 보지 않지만 미술을 디자인의 한 형식으로 본다. 비록 미술을 정의하는 것이 어렵다 할지라도 미술의 맥락을 정의하는 것은 어렵지않다. 정시 공간, 갤러리, 미술관, 미술 잡지, 미술 출판사, 미술사, 미술 이론 등등 명백한 기반 구조가 존재한다. 미술은 이러한 특정 구조 안에서 기능하도록 의도된 사물, 개념, 활동의 생산물로 볼 수 있다. 우리가 보기엔, 이러한 생산물은 분명 디자인의 특별한 형식으로 간주할 수 있다.” -익스페리멘틀 젯셋 153p